Franz Gertsch

«Printemps» (2011) complète le cycle des saisons, qui commence par «Automne», achevé en 2008, suivi d'«Été» (2009) et d'«Hiver» (2009). Gertsch a travaillé jusqu'à cinq heures par jour à ce «Printemps», ne remplissant parfois qu'une surface de 20 cm sur 25. La réalisation complète de cette toile de 3,25 x 4,80 mètres a demandé 16 mois de travail. Dans la publication d'accompagnement, l'historien d'art Jean-Christophe Ammann l'analyse comme «un processus continu d'observation et de densification». Avec passion, Gertsch donne vie à ses modèles, accomplissant ainsi un acte créateur. La densité autonome de chaque partie, comme l'écrit ensuite Amman, est stupéfiante.

Le catalogue et l'audio guide offrent d'autres aperçus de la création de l'artiste et une aide pour interpréter son oeuvre. On y apprend que les saisons naturalistes n'ont pas été peintes en plein air, à quelques mètres derrière la maison de l'artiste, là où se trouvent les modèles botaniques, mais dans son atelier d'après des photographies. L'oeuvre, qui de loin apparait naturaliste, révèle dans le détail, à la surprise de nombreux observateurs, une technique faisant presque penser à l'impressionisme.

Gertsch apprécie le défi non seulement au niveau de l'iconographie mais aussi de la conception. Bien qu'il parte de photos, ses images suivent leur propre logique intérieure qui vise l'harmonie absolue de tous les éléments. La pureté des matériaux utilisés est tout un programme: des couleurs, souvent obtenues à partir de minéraux tels que lapis-lazuli, azurite et malachite, et des liants, à la toile ou au papier japonais fait-main, tout est choisi avec soin et accordé à l'oeuvre. Les gravures sur bois de Gertsch passent pour être totalement singulières. Avec une précision d'exécution jusqu'ici inconnue – aussi bien pour la gravure que pour l'impression – et des formats monumentaux, à la limite du faisable pour la fabrication du papier, Gertsch a conféré de nouvelles dimensions à ce support traditionnel.