Joel-Peter Witkin

Les allusions aux grandes périodes de l'histoire de l'art abondent dans l'oeuvre du photographe. Les références à la sculpture grecque et romaine, la Renaissance, l'art baroque ou néo classique se mêlent à celles de grandes figures de l'histoire de la photographie, tels Muybridge, Rejlander et Holland Day, entre autres.

La recherche plastique de Witkin trouve sa cohérence en deux grands ensembles : gloire et misère du corps /recherche spirituelle et inquiétude religieuse.

La thématique de la présentation du corps nu domine l'ensemble, y compris dans la déréliction, la mort, les aspects extrêmes de l'érotisme et leurs relations évidentes avec l'extase, la souffrance et la jouissance. La relation au sado-masochisme, si elle est indéniable dans certaines images, se situe plus clairement dans la composante claustrophobe du cadrage, évoquant les espaces claquemurés des grands romans sadiens, que dans les postures des modèles ou la mise en scène. Il s'agit là d'une réflexion sur les limites : limites de la transformation et du dépassement de soi, recherche des points de tangence de l'esprit et du corps.

Une tension s'instaure entre l'image idéale et canonique du corps humain, et la réalité des corps qu'élit Witkin. Ce sont des modèles aux formes plus ou moins prohibées par l'esthétique courante de la perfection obligatoire, des êtres aux corps endommagés ou mutilés, aux anatomies cabossées. Il peut s'agir de restes humains, de cadavres d'animaux, de cires anatomiques. Réalité ou artefact ? Witkin donne à réfléchir sur l'infini des possibles du corps, sur la manière dont l'art peut transcender le terrible, l'informe, se défaire des stéréotypes pour nous ouvrir le monde intérieur d'un créateur. Le corps outrepasse alors les conventions et les limites, pour donner à voir non les apparences d'un idéal inatteignable, mais les occurrences d'une chair triomphante ou déchue, le poids de sa réalité.

"Je me révolte contre le mysticisme afin d'en être submergé et d'être vaincu par lui. C'est insondable, cependant j'essaie de comprendre. C'est invisible, cependant j'essaie de rendre objectif, espérant toujours trouver la révélation et la vérité." écrit Witkin.

La thématique religieuse travaille autrement la notion de limites. Elle est classiquement voisine de la thématique érotique, les écrits des grands mystiques n'en font pas un secret, les deux se mêlent de manière subtile dans tout l'art occidental. Il n'est que de constater la fortune des scènes de torture, de souffrance et d'extase dont l'iconographie chrétienne a fait usage dans ses représentations jusqu'au XVIIIe siècle. L'inspiration religieuse est présente par ses emblèmes dans le grand thème classique de la Vanité, mais aussi dans les séries consacrées à la figure du Christ. La représentation du divin, la relation du divin et de l'humain dans ses tensions les plus fortes sous-tendent l'oeuvre du photographe depuis toujours. Le visiteur pourra en considérer les variations et les déviations : Enfer ou Ciel.

L'ensemble d'estampes rares et précieuses présenté en contrepoint des photographies de Joel-Peter Witkin s'articule autour de ces mêmes thèmes. De l'Ecole de Fontainebleau à Max Beckmann et Pablo Picasso, en passant par Goya, Rembrandt, Rops, ou les graveurs des Ecoles du Nord, c'est une rare et exceptionnelle collection d'images du XVIe au XXe siècles qui dialogue avec les photographies. Ces oeuvres montrent la persistance de formes et de thèmes travaillés non seulement par l'imaginaire du photographe, mais, avec d'autres moyens d'expression, par les grands graveurs.

"Le sujet iconographique de "Léda et le Cygne" devient célèbre avec le tableau de Michel- Ange, aujourd'hui disparu, mais connu par une peinture du Rosso, différents dessins du maître et plus tard diffusé par plusieurs graveurs italiens ou flamands. Il garde aujourd'hui un pouvoir de fascination et d'évocation encore intact…" souligne Séverine Lepape1. La présence – à deux reprises - de ce même sujet chez Witkin atteste de cette persistante fascination et l'on pourra comparer ses visions de Léda avec celles de Michel-Ange et d'Enea Vico.

Les gravures sont de formats divers, plus modeste que celui des photographies, et proviennent du coeur historique du département des Estampes et de la photographie de la BnF : collections Béringhen, Marolles, bibliothèque royale...

Certaines, telles Le Squelette allongé, font apparaître, dès le XVIIe siècle, une spectaculaire recherche du "grand format", très prégnante de nos jours. Quelques-unes des célèbres planches anatomiques de Gautier d'Agoty, tous premiers essais de manière noire en couleurs, issues de la collection royale sont également présentées.

Ce qui apparaît à l'évidence encore de nos jours c'est que le médium de la gravure, peu contrôlé, relativement neuf encore au XVIe siècle a sans doute incité certains artistes à produire des oeuvres à la témérité rare.

Les grands graveurs du passé, dont le lent et rigoureux travail s'inspirait des oeuvres de grands peintres ou donnait libre cours à leur imaginaire ont toute légitimité à voisiner ici avec les oeuvres de Joel-Peter Witkin, lui-même auteur de plusieurs recueils de gravures et qui affirme la proximité plastique de la gravure et de la photographie.