Titien, Tintoret, Véronèse...
Rivalités à Venise

Les doges, amiraux, patriciens et patriciennes de la République de Venise habitent cette première partie. De toutes les salles de l’exposition, il s’agit probablement de la plus homogène : la réunion de ces portraits montre la permanence du modèle imposé par Titien (Le Doge Francesco Venier, Madrid, Museo Thyssen- Bornemisza). Ayant en effet profondément renouvelé la peinture vénitienne et réinterprété de nombreux thèmes, ce dernier a créé des images très fortes qui se sont imposées comme des archétypes pour les peintres qui ont suivi. La prééminence de Titien dans le domaine du portrait est telle qu’elle continue de poser aujourd’hui des problèmes d’attribution : les compositions sont souvent identiques et la proximité stylistique réelle (par exemple : Le Doge Venier de Titien déjà cité et Sebastiano Venier par Tintoret, Vienne, Kunsthistorisches Museum), ce qui témoigne de la force de la tradition et de la fonction du portrait à Venise.

L’époque est marqué par le paragone, c’est-à-dire la discussion théorique sur la comparaison des arts et sur la possibilité que l’un d’entre eux soit supérieur à tous les autres. Le rapport de la peinture aux autres arts a alors occupé nombre de peintres. La réponse singulière de Venise à cette problématique se trouve dans un travail sur le reflet, moyen par lequel les peintres ont cherché à démontrer la supériorité de leur art. Que ce soit dans un miroir, sur le métal des armures notamment, sur l’eau, les artistes cherchent à donner à voir en trois dimensions un corps que la peinture réduit à deux dimensions seulement. Giorgione fut le premier à s’engager sur cette voie. Titien, Tintoret, Véronèse et Jacopo Bassano ont par la suite développé, chacun à sa façon, cette réflexion, livrant ainsi des chefs-d’oeuvre de subtilité : Vénus au miroir de Titien (Washington, National Gallery), Suzanne et les vieillards de Tintoret (Vienne, Kunsthistorisches Museum), Saint Menna de Véronèse (Modène, Galleria Estense).

Titien érotise le thème de la femme au miroir grâce à un jeu de regards, traité avec une grande finesse, entre le sujet du tableau et celui qui le contemple. Tintoret s’en sert pour évoquer la concupiscence des vieillards. Véronèse plus sensuel et moins érotique, évoque quant à lui le monde de la courtisanerie (Vénus à sa toilette, Omaha, The Joslyn Art Museum). Avec les Bassano (Francesco Bassano, La Forge de Vulcain, Paris, musée du Louvre), le traitement du reflet devient un élément important de la scène de genre.

Le « panthéisme » des Vénitiens les porte à fondre le Sacré et le Profane dans leurs toiles. Les différents sujets (portrait, scène sacrée, scène de genre, nature morte …) ont tendance à être traité de concert dans un même tableau. Les scènes sacrées n’ont en effet jamais été aussi tirées vers le portrait et la scène de genre qu’à Venise. Le thème du repas biblique est à cet égard particulièrement représentatif. Le tableau Les Pèlerins d’Emmaüs de Titien (Paris, musée du Louvre) a longtemps été nommé La Nappe en raison de l’exceptionnelle nature morte qu’est le drap brodé qui couvre la table. L’inversion du sujet est également fréquente, l’anecdotique prenant le pas sur le sujet central (Jacopo Bassano, Les Pèlerins d’Emmaüs, collection particulière, Grande-Bretagne). Les Pèlerins d’Emmaüs de Véronèse (Paris, musée du Louvre) représente l’aboutissement magistral de cette approche.

Cette section offre aussi l’occasion d’aborder un genre bien particulier : les Vénitiens sont les premiers à avoir peint les animaux pour eux-mêmes. Souvent présents dans les tableaux, les chiens et les chats, notamment, venaient étayer ou souligner le propos des scènes traitées. Jacopo Bassano avec Les Deux chiens de chasse liés à une souche (Paris, musée du Louvre), véritable chef-d’oeuvre, livre le premier tableau connu (1548) qui représente uniquement des animaux. Titien et Véronèse se sont eux aussi consacrés aux « tableaux de chiens ». Moins naturaliste que Titien (Enfant avec des chiens, Rotterdam, Musée Boijmans van Beuningen) ou Bassano, Véronèse, qui ne peignait pas d’après nature, est cependant un grand peintre animalier, plus attentif à donner une vision esthétisante qu’une perception détaillée et frémissante des chiens (Amour avec deux chiens, Munich, Alte Pinakothek).

Etroitement liés à la situation de l’Église après le Concile de Trente, les thèmes rassemblés dans cette partie de l’exposition sont marqués par l’esprit de la Contre-Réforme : Le Baptême du Christ, La Mise au tombeau, La Prière aux jardin des oliviers et Saint Jérôme pénitent.

A Venise, les peintres prennent le parti d’une dramatisation théâtrale de la scène biblique par le jeu de la lumière (le luminisme), dans le but de susciter une nouvelle approche de la religion, plus effusive, plus forte. Leur goût prononcé pour la lumière et l’influence des peintres du Nord venus séjournés dans la lagune dès le XVe siècle les amènent d’abord à concevoir des sortes d’« effets spéciaux », notamment chez Tintoret (Le Baptême du Christ, Venise, église San Silvestro). La nuit s’impose ensuite progressivement, symbole de la solitude intérieure comme de la menace permanente du Mal. Le Baptême du Christ de Jacopo Bassano (New York, Metropolitan Museum of Art), qui se déroule de nuit et est probablement son dernier tableau, exprime une douleur, une souffrance, qui semble préfigurer la Passion.

L’influence de Titien sur ses contemporains est manifeste - son Saint Jérôme pénitent (Paris, musée du Louvre) est le premier tableau nocturne : de Véronèse, qui meurt au moment où sa palette s’assombrit, voire noircit (Le Christ mort avec la Vierge et un ange, Saint-Pétersbourg, Musée de l’Ermitage), même si l’ambiance de ses toiles reste plus crépusculaire que nocturne, à Jacopo Bassano.

Outre les portraits de patriciens et de patriciennes, les portraits d’artistes et de collectionneurs ont connu un grand succès à Venise. Les amateurs d’art se font représentés au milieu de leur environnement familier, comme Jacopo Strada (Titien, Vienne, Kunsthistorisches Museum). La liberté des commandes à Venise est illustrée par le fait que la réalisation du pendant de ce tableau, représentant Ottavio, le fils de Jacopo Strada, a été confiée à Tintoret (Amsterdam, Rijksmuseum).

La vogue des galeries d’hommes illustres amène les artistes à se représenter eux-mêmes [les très saisissants Autoportraits de Titien (Madrid, Museo Nacional del Prado) et de Tintoret (Paris, musée du Louvre)],ou à se faire peindre par leurs pairs, ainsi le portrait du grand sculpteur vénitien Alessandro Vittoria par Véronèse (New York, Metropolitan Museum of Art).

A la différence des grands formats présentés précédemment, cette section réunit des petites peintures décoratives, le plus souvent destinées à orner des meubles et ayant souvent pour sujet des scènes mythologiques. Aucun des maîtres n’a dédaigné ce genre très précieux que l’on aurait tort de considérer comme secondaire, tant il a suscité l’engouement des Vénitiens. Tintoret (pourtant peu habitué à cette peinture toute en détails), Schiavone et Sustris (un Flamand installé à Venise, où il a su se faire une place et un nom) ont travaillé ensemble sur un certain nombre de commandes. Les trois Véronèse du Museum of Fine Arts de Boston complètent la présentation de ce genre méconnu.

Cette dernière section aborde en réalité deux thèmes, relatant essentiellement des scènes mythologiques : celui de la femme en péril et celui de la femme offerte. Le premier est évoqué par l’histoire de Tarquin et Lucrèce, de Persée et Andromède ou encore de Suzanne et les vieillards ; le second par celle de Danaé et celle de Vénus et Mars.

La « femme en péril » est l’occasion de découvrir des scènes parfois assez violentes, comme Tarquin et Lucrèce de Titien (Cambridge, Fitzwillliam Museum) ou le même sujet vu par Tintoret (Chicago, Art Institute) ou par Palma le Jeune (Kassel, Gemäldegalerie), Persée et Andromède de Véronèse (Rennes, musée des beauxarts) ou encore Suzanne et les vieillards de Jacopo Bassano (Nîmes, musée des Beaux-Arts).

La « femme offerte » exalte au contraire toute la sensualité des peintres vénitiens. La seule femme nue allongée connue dans l’oeuvre de Véronèse figure dans l’Allégorie de l’Amour, le Respect (Londres, National Gallery). La poésie de Titien s’exprime dans son attitude face aux mythes, ici en l’occurrence celui de Danaé : il le change en introduisant le personnage de la servante et impose une iconographie reprise ensuite par Tintoret (Lyon, musée des Beaux-Arts) par exemple. Sa Danaé (Madrid, Museo Nacional del Prado), peinte seulement quatre ans après celle de Naples, qui ouvrait l’exposition, est le dernier tableau que le visiteur voit en sortant.