Hans Hartung, "Estampes"

Hans Hartung réalise ses premières gravures dans les années 1920. Il s’agit d’une série d’eaux-fortes et de pointes-sèches, de petites dimensions, aux sujets classiques : des nus, des personnages dessinés d’un trait anguleux qui peuvent faire penser aux gravures expressionnistes, courant dans lequel Hartung dit puiser son inspiration : "La source la plus directe qui devait me conduire à l’art abstrait a été sans doute possible la gravure sur bois de ces peintres expressionnistes comme Heckel, Kirchner, Schmidt-Rottluff, Pechstein et Nolde."

Parallèlement à ces premières gravures figuratives, Hans Hartung peint ses premières aquarelles abstraites, indépendamment de toute influence des courants contemporains. Il revendique lui-même une filiation classique à cette tendance abstraite, le trait étant finalement ce qui l’attire, au-delà de l’adéquation ou non à un sujet.

Dès ses premières tentatives dans le domaine de l’estampe, la pratique de la gravure se rapproche plus chez lui de celle du dessin que de la peinture. Un goût pour le trait qui est sans aucun doute à mettre en relation avec sa fascination pour l’art de Rembrandt. Le lien entre dessin et estampe est également très présent dans les estampes que réalise Hartung à l’Académie des beaux-arts de Munich. C’est là qu’il découvre le travail des états, permettant des évolutions d’une planche à l’autre. A la fin des années 1930, il multiplie les expérimentations de taille directe (pointes et burins) ainsi que le traitement par oxydation.

Des peintures et dessins abstraits réalisés avant guerre donnent lieu à une série de petites lithographies en 1946 réalisées dans l’atelier d’Edmond Desjobert. Ces travaux seront suivis par des gravures en 1947. Dans ces planches abstraites apparaît le style gestuel caractéristique de l’artiste.

Hans Hartung renonce dès la fin des années 1940 à passer par le dessin préparatoire pour la création de ses estampes. C’est à partir de 1953 et son passage à l’atelier Lacourière que Hartung expérimente toutes les possibilités de la gravure sur cuivre. C’est aussi à cette période qu’il met au point ce vocabulaire plastique caractérisé par des motifs graphiques envahissant des compositions où la couleur ne construit pas l’espace mais contrebalance le noir du graphisme.

Les oeuvres de cette période sont très gestuelles. Si la couleur est encore présente, elle tend à disparaître au profit du seul signe. Les techniques de l’estampe en couleur supposent en effet une décomposition : à chaque teinte correspond une matrice, et par conséquence un ensemble d’opérations dont la lenteur semble incompatible avec la pratique spontanée de Hartung. "En principe, je préfère l’inspiration directe, momentanée et toutes les lithos en couleur, et plus encore les gravures en couleur, sont réalisées en deux, trois ou quatre étapes [...] il n’y a plus la spontanéité première que je recherche en art". La rapidité et la spontanéité sont devenues des principes fondamentaux de son mode de création.

Dans les années 1960, l’artiste adopte en peinture les méthodes de la gravure : dans la peinture encore fraîche, il gratte la matière au moyen de différents outils qui dessinent ainsi un réseau de lignes. "La manière même de gratter dans ma propre peinture, dans la couche que je viens de mettre, vient de la gravure".

A partir de 1962, il travaille régulièrement à l’atelier Erker à Saint-Gall, approfondissant ses recherches graphiques. Ainsi, à côté des motifs en positif, dessinés au moyen d’un crayon lithographique proche de ce que Hartung utilise en dessin, il réalise également des compositions en négatif. Apposant directement son dessin sur la pierre lithographique puis grattant une partie de la matière, le dessin apparaît en négatif à l’impression.

A partir de 1966, on assiste, dans ses oeuvres graphiques comme dans ses peintures, à la disparition du signe au profit de la surface. Hartung se sert en peinture d’un pistolet de carrossier pour dessiner des formes qui apparaissent comme des halos colorés. On retrouve le même effet en lithographie grâce à la technique du crachis.

A l’atelier Erker, il utilise des outils permettant des effets très divers (rouleau encreur, crayon lithographique, aérographe, pinceau...) dont la combinaison lui permet de créer des compositions au dessin très structuré.

Une parfaite adéquation caractérise les toiles peintes au début des années 1970 et les gravures de cette période. Hans Hartung aborde la gravure de grand format et renoue avec l’eau-forte dans l’atelier de Gustavo Gili à Barcelone. Il travaille toute la surface, comme s’il s’agissait de toiles, attaquant le cuivre avec une grande liberté à l’aide de nouveaux instruments qui creusent des sillons.

L’atelier Erker est l’un des lieux de prédilection pour les recherches graphiques de l’artiste. Il s’y essaye à la gravure sur bois et réalise une série magistrale en 1973. La gravure sur bois semble peu appropriée à la spontanéité à laquelle il aspire. Mais il contourne la lenteur du procédé en ayant recours à des outils qui lui permettent de marteler la matière plutôt que de l’évider en suivant un motif comme il était coutume de procéder. Les parties martelées apparaissent en blanc lors de l’impression : la composition est ainsi rythmée par des points de lumière. On retrouve des effets équivalents dans sa peinture de l’époque.

Dans ses lithographies de cette période, la disparition du signe au profit de la surface, traitée au moyen du rouleau lithographique se fait plus évidente. Le fond vient alors au premier plan. Hartung traite la surface et s’attache à la représentation de la lumière en jouant sur des effets de transparence. L’usage du rouleau lithographique trouvera son prolongement dans la peinture. Les estampes réalisées au cours de cette période sont à rapprocher de ses photographies.