L'exposition immersive s'ouvre sur un hommage à Claude Joseph Vernet (1714-1789). L'Atelier des Lumières dévoile le port de Marseille, tel qu'il s'offrait aux yeux du peintre arrivant par la mer au XVIIIe siècle. Passé maître dans l'art des marines, Vernet démontre son aisance à faire jouer l'omniprésence de l'eau et la lumière de ciels tourmentés. Avec sa série des ports commandée par Louis XV, Vernet ne peint pas sur le motif mais se déplace sur les lieux pour prendre des notes et réaliser des croquis qui l'aideront à travailler dans son atelier. La lumière est un élément essentiel dans la composition de ces œuvres marines. Un travail sur la lumière que les impressionnistes approfondissent, cherchant à capter les conditions atmosphériques des paysages.
Claude Monet, Antibes, 1888, huile sur toile, 65,5 x 92,4 cm, Samuel Courtauld Trust, The Courtauld Gallery, London © Bridgeman Images
L'exposition immersive se poursuit avec des chefs-d'œuvre incontournables de Claude Monet (1840-1926) et Auguste Renoir (1841-1919) comme Les nymphéas (1914-1926) et Femme à l'ombrelle tournée vers la droite (1886) de Monet, et Bal du Moulin de la Galette (1876) de Renoir. Les deux artistes développent d'abord leur nouvelle approche de la peinture sur les bords de Seine.
Renoir s'éloigne un temps de la vie parisienne et entraîne son ami Monet qui délaisse son jardin de Giverny. Ils tombent sous le charme des paysages et jardins de la Riviera.
Entre 1883 et 1888, leurs différents séjours sur la Côte seront une nouvelle source d'inspiration pour eux-mêmes comme, plus tard, pour de nombreux autres artistes. Sous le soleil du sud, leurs œuvres deviennent plus colorées et comportent de nombreux effets lumineux.
Considéré comme le doyen des impressionnistes, Camille Pissarro (1830-1903) est une figure clé du mouvement. Il s'installe et peint Paris de 1855 ou il côtoie notamment Claude Monet et Paul Cézanne.
À partir de 1857, le train PLM relie Paris à Marseille en passant par Lyon. Les villages colorés de la côte méditerranéenne deviennent facilement accessibles et émerveillent le Tout-Paris.
Attirés par les lumières du littoral, les peintres multiplient les points de vue. De la frontière espagnole à la Riviera italienne, chacun trouve son lieu d'inspiration et de création : Collioure, L'Estaque, Saint-Tropez, Antibes, Cagnes, Bordighera… Là, les artistes développent une palette chromatique d'une grande richesse et participent à la modernité picturale.
Pierre Auguste Renoir, L’Estaque, 1882, huile sur toile, 65,8 x 81 cm, Collection privée © Bridgeman Images
Lors de leurs différents séjours, Monet s'attarde principalement à Bordighera, sur la côte italienne. Renoir, quant à lui, préfère les couleurs de Cagnes, Grasse et du Cannet.
Participant à cette modernité par leur touche pointilliste, ou « néo-impressionniste », Henri-Edmond Cross (1856-1910) et Paul Signac (1863-1935) opèrent un véritable changement en créant des mélanges optiques éclatants. En petits points toujours plus colorés, la mer est souvent chez Signac indissociable des bateaux qu'elle berce tandis qu'elle s'intègre, chez Cross, dans des paysages bucoliques.
La découverte des paysages et de la lumière des bords de la Méditerranée est une révélation pour le jeune Henri-Edmond Cross. À la fin de l'année 1883, Cross rend visite à ses parents qui séjournent à Monaco. Il change alors sa palette de couleurs et abandonne le portrait, la nature morte. Précurseur du fauvisme, il libère la couleur dans ses paysages qui influencent des artistes dont Henri Matisse (1869-1954).
Installé depuis 1892 dans le Sud de la France, Signac, amateur de voile, peint des paysages pointillistes et reçoit à Saint-Tropez de nombreux artistes. De plus en plus fréquentée par des artistes comme Derain ou Matisse, Saint-Tropez devient peu à peu une étape mondaine et s'impose comme une destination touristique majeure. Signac joue avec les couleurs complémentaires et transcrit dans ses œuvres « l'atmosphère chaude et enveloppante du Midi, où la lumière pénètre l'ombre et la volatilise presque ». Ses toiles néo-impressionnistes, aux couleurs lumineuses, influenceront les fauves et les expressionnistes.
Les toiles impressionnistes, pointillistes, cubistes révèlent la richesse de cette période de la peinture en France.
C'est une véritable révolution de la couleur qui trouve son apogée avec le fauvisme. Venant pour la plupart du nord de la France et de l'Europe, les peintres Charles Camoin (1879-1965), André Derain (1880-1954), Maurice de Vlaminck (1876-1958), Othon Friesz (1879-1949), Henri Manguin (1874-1949), Albert Marquet (1875-1947), Louis Valtat (1869- 1952) sont à leur tour séduits par le climat et les contrastes entre éclat et douceur qu'offre la Méditerranée.
Henri Matisse (1869-1954) rencontre Signac à Saint-Tropez et Cross au Lavandou. C'est pour lui une révélation : « Je ne songeais plus qu'à faire chanter mes couleurs sans tenir compte de toutes les règles et interdictions… entrer directement dans l'arabesque avec la couleur », raconte-t-il. Il y puise l'inspiration pour l'œuvre Luxe, calme et volupté (1905) dans laquelle il y applique la technique divisionniste enseignée par Signac, mêlée à des couleurs vives annonçant le fauvisme. Les couleurs prennent le dessus sur le souci de représentation.
André Derain (1880-1954) rejoint Matisse à Collioure en juillet 1905. Ensemble, exposés à la lumière méditerranéenne, ils bousculent les codes picturaux. Ils font le choix de couleurs pures et arbitraires dans une série de vues maritimes fondatrices au sable rouge ou aux arbres orange ou bleus. Les paysages de l'Estaque, de Collioure ou Saint-Tropez sont leurs sujets de prédilection.
La même année, ils exposent au Salon d'automne à Paris : leurs œuvres font scandale et sont qualifiées de « fauves » en raison de la brutalité de leur palette.
Pierre Bonnard, Conversation à Arcachon, 1926-1930, huile sur toile, 56 x 48 cm, Petit Palais, Paris, Legs Girardin, 1953
L'exposition immersive consacre une section à Pierre Bonnard (1867-1947) qui puise son inspiration dans ses maisons de villégiature et le Midi. Célèbre pour ses œuvres intimes d'intérieurs, Bonnard est également un peintre du paysage.
En 1891, il expose Femmes au Jardin au Salon des Indépendants. Le format et la technique de l'œuvre sont surprenants : l'ensemble, un paravent, est constitué de quatre panneaux. Inspiré par l'art japonais et les ukiyo-e, il exploite ce format de ce nouveau support et développe un goût pour les arabesques, les motifs décoratifs et du tissu imprimé. Il est surnommé « le nabi très japonard » et séduit des artistes tels que Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901).
Bonnard découvre également vers 1904 Saint-Tropez et Nice. Il voyage, souvent en compagnie d'Édouard Vuillard (1868-1940), séjourne chez Henri Manguin en 1909 et se lie d'amitié avec Signac et Matisse. « J'ai eu un coup des Mille et Une nuits. La mer, les murs, jaunes, les reflets aussi colorés que les lumières » écrira t-il à sa mère. Il imprègne ses toiles d'une lumière diffuse, le canal de la Siagne devient le lieu favori de ses promenades puis il adopte, dans les années 1920, Le Cannet.
Raoul Dufy (1877-1953), surnommé « l'enchanteur », est qualifié comme le peintre de la joie et du bonheur. Il se définissait lui-même comme le peintre de la « lumière-couleur ». Si dans un premier temps ce fut dans les paysages marins de sa Normandie natale que Dufy trouva cette qualité de la lumière, il la découvrit également très tôt dans le Midi de la France où il séjourna pour la première fois à l'âge de 26 ans. Il noua dès lors avec les paysages méditerranéens une relation fidèle et passionnée.
D'abord influencé par l'impressionnisme, Dufy est ensuite attiré par le fauvisme : l'œuvre Luxe, calme et volupté (1905) de Matisse le fascine et on retrouve dans ses œuvres des couleurs vives, intenses, et des contours très appuyés. Dufy est également tenté par le cubisme : il séjourne à Marseille et à l'Estaque et, avec Braque et Cézanne, sa peinture évolue, les formes deviennent plus géométriques et l'espace structuré. Ces étapes marquent une période d'épanouissement très forte pour l'artiste qui formera par la suite son style artistique, très personnel, en suivant sa propre voie.
Exposée à la lumière de la Méditerranée, source constante d'expérimentations, sa palette fait ressortir des déclinaisons infinies de bleus éclatants. Pour lui, « Le bleu est la seule couleur qui, à tous ses degrés, conserve sa propre individualité. ».
Considéré comme l'un des plus grands coloristes de son temps, Dufy sature et fait exploser la toile par l'intensité de ses étonnants bleus. Concerts, courses hippiques, régates… la vie mondaine s'évapore dans ses touches de couleurs qu'il dissocie audacieusement de son dessin.
Les couleurs intenses se retrouvent dans les toiles de Marc Chagall (1887-1985). L'œuvre Couple dans le paysage bleu (1969-1971) représente deux amants devant Saint-Paulde-Vence, sur un ciel bleu méditerranéen, dense et puissant qui se fond avec le bleu maritime. Ce paysage infini inonde les murs et le sol de l'Atelier des Lumières au son de compositions modernes et contemporaines.
Le langage pictural profondément singulier du peintre d'origine de Russie blanche trouve une nouvelle expression sous le soleil de la Côte d'Azur et de l'arrière-pays niçois. Il découvre la région dans les années 1920 et c'est en 1950 qu'il choisit de s'y installer et d'y travailler, dans un premier temps à Vence et ensuite, dès 1966 jusqu'à la fin de sa vie, à Saint Paul de Vence.
« Je remercie le destin de m'avoir conduit sur les bords de la Méditerranée. S'il y avait dans mes tableaux un endroit où se cacher, je m'y glisserais. » (Chagall méditerranéen, 1984)
Matières… Chagall n'hésite pas à explorer les différentes techniques dans sa création jusqu'à les associer ou les marier dans ses compositions. Parmi ses nombreuses expérimentations, le collage déjà utilisé dans des maquettes pour la scène à la fin des années 1910 en Russie, lui permet dès la fin des années 1950 dans des maquettes préparatoires pour des œuvres monumentales de cerner très précisément les valeurs des matières et textures à être transposées en tonalité de couleur et de matière. Du travail préparatoire à l'œuvre achevée, c'est tout le processus de création qui se déploie sous l'œil du visiteur. Les morceaux de tissus, de dentelle, de papier, ou encore les végétaux s'animent dans l'espace, se collent et décollent, illustrant la liberté et la complexité du geste créateur.
Par la suite, Chagall recevra plusieurs commandes publiques de vitraux et mosaïques monumentales. L'exposition s'attarde particulièrement sur les vitraux de l'hôpital Hadassah de Jérusalem avec son iconographie végétale et animale. Les dessins préparatoires habillent progressivement les murs et l'architecture de ses vitraux prend forme peu à peu dans tout l'espace.
La mosaïque de Nice, Le message d'Ulysse, une œuvre de 11 mètres de long dans laquelle Chagall représente tous les épisodes d'Ulysse, homme méditerranéen, protégé d'Athéna apparait. Les tesselles virevoltent sur les murs de l'Atelier des Lumières avant de trouver leur emplacement initial dans la composition de l'artiste. L'effet, très dynamique, emmène le visiteur dans un tourbillon de couleurs.
En 1966, Marc et Valentina Chagall font une première donation à l'Etat français d'un cycle de 17 toiles monumentales intitulé « Le Message biblique » destiné à être hébergé dans le premier Musée national conçu pour un artiste vivant, inauguré par André Malraux à Nice en 1973.
Les réalisateurs de l'exposition numérique se sont rendus au musée Marc Chagall de Nice pour y effectuer des prises de vue en très haute définition du Cantique des Cantiques et du Message biblique. Ils pénètrent ainsi au plus près de la toile pour nous inviter à découvrir la complexité de l'univers technique de Chagall à travers l'immersion dans un vocabulaire abstrait d'une grande modernité.
En s'approchant au plus près du geste créateur, le visiteur plonge dans une abstraction éclatante de matière et de couleurs. C'est la gestuelle de Chagall monumentalement agrandie qui se manifeste sur les cimaises des murs de l'Atelier des Lumières dans un final magistral qui nous invite à toucher des yeux l'essence de l'œuvre à travers la célébration de la matière.
« Depuis ma première jeunesse, j'ai été capturé par la Bible […] la plus grande source de poésie de tous les temps. Depuis lors, je recherche ce reflet dans la vie et dans l'art. La Bible est comme une résonance de la nature et ce secret j'ai essayé de le transmettre ». (Discours d'inauguration prononcé par Marc Chagall, le 7 juillet 1973)