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Dalí, l'énigme sans fin

Carrières de Lumières, Les Baux-de-Provence

Exposition du 6 mars 2020 au 3 janvier 2021

A partir du printemps 2020, les Carrières de Lumières consacre une exposition immersive à Salvador Dalí intitulée "Dalí, l'énigme sans fin". L'exposition Dalí aux Baux-de-Provence est à voir à partir du 6 mars 2020.

Salvador Dalí, Rêve causé par le vol d’une abeille autour d’une pomme-grenade, une seconde avant l’éveil, 1944, huile sur bois, 51 x 41 cm, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid, © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, ADAGP 2020 - Photo : © 2020. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza/ Scala, Florence

• Prologue
  
  L'introduction de l'exposition immersive fait référence à un symbole cher à Salvador Dalí : l'œuf, représenté sous toutes ses formes, occupe une place importante dans sa peinture. D'origine, il symbolise dans la religion chrétienne la résurrection du Christ et l'emblème de la pureté et de la perfection. Pour Dalí, l'œuf évoque une renaissance ou une vie antérieure. L'association entre dureté et mollesse de l'œuf par sa coquille et son intérieur, fait allusion à un monde intra-utérin. L'œuf est un symbole fort que l'on retrouve dans ses œuvres ainsi que sur les abords de sa maison à Portlligat et à Torre Galatea de Figueres, sa dernière résidence, près du Théâtre-musée Dalí.
  
  Sur les murs des Carrières de Lumières se propage une multitude de fragments sombres : un œuf flotte dans l'espace. De l'œuf sort Dalí, comme une nouvelle naissance de l'artiste. Il invite à pénétrer dans son univers surréaliste « …rentrez, rentrez dans mon cerveau ».
  
  Le visiteur est alors plongé au cœur d'une tempête de sable, dans un paysage désertique issu des œuvres Trilogie du désert. Mirage (vers 1946) et La charrette fantôme (1933).
  
  Dans La charrette fantôme se dessine une carriole qui renvoie à l'enfance de Dalí : enfant, l'artiste voyageait en famille de Figueres à Cadaqués.
  
  
• Cadaqués
  
  « Je suis lié à jamais à Portlligat et je ne suis chez moi qu'en ce lieu : ailleurs, je campe. »
  
  Le visiteur découvre les œuvres du jeune peintre et particulièrement celles réalisées à Cadaqués. Le village ne cessera d'imprégner et d'influencer ses œuvres. Après des vues de Cadaqués, tel qu'était le village à l'époque, une grande fresque se compose à partir des œuvres de jeunesse de l'artiste. Ces œuvres regroupent deux des sujets privilégiés de Dalí : sa sœur Anna Maria et le littoral de Cadaqués, « de loin le plus beau lieu du monde ». Personnage à la fenêtre (1925), conservé au musée Reina Sofía de Madrid, se dévoile : la jeune fille qui admire la mer de Cadaqués est Anna Maria, modèle de l'artiste jusqu'en 1929, date à laquelle il rencontre sa future femme Gala.
  
  C'est à Cadaqués que Dalí reçoit les membres du groupe surréaliste. Ce port de pêche attire des figures comme Marx Ernst, Paul Eluard, René Magritte ou André Breton. Dalí a rencontré ces artistes après avoir été exclu en 1922 des Beaux-Arts de Madrid. Il rejoint alors le groupe surréaliste qui refuse toute construction logique de l'esprit.
  
  Pendant l'été 1929, Gala (Elena Eluard, alors femme du poète Paul) entre dans sa vie. Ils ne se quitteront plus, Gala devenant la muse de Dalí jusqu'à la fin de sa vie. Le couple s'installe au Portlligat en 1930. Il créa peu à peu une maison- aujourd'hui devenue muséeque Dalí définissait « comme une véritable structure biologique [...]. À chaque nouvel élan de notre vie correspond une nouvelle cellule, une nouvelle pièce ».
  
  
  
  Salvador Dalí, Galatée aux sphères, 1952, huile sur toile, 65 x 54 cm, Fondation Gala-Salvador Dalí © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, ADAGP 2020
  
  
• Théâtre-musée
  
  Dalí forme son imaginaire visuel à travers les paysages de son enfance mais également à travers les avant-gardes européennes et le théâtre. Cet engouement pour l'art de la scène s'intensifie à partir des années 1930. Dalí, exilé aux États-Unis, de 1940-1948, participe à divers projets comme la création de costumes et décors de théâtre et opéra ou scénarios de films. Il crée notamment les décors de quatre ballets.
  
  En octobre 1941, Dalí débute avec le chorégraphe russe Léonide Massine pour Labyrinthe, ballet tiré du mythe de Thésée, sur une musique de Schubert. Il en écrit le livret et en exécute costumes et décors. Parmi ses décors, l'un représente une énorme tête d'homme, crâne ouvert, avec une porte ouverte à la place du buste.
  
  Après un levé de rideau, les Carrières prennent la forme d'une scène : les éléments architecturaux et artistiques de l'ancien théâtre, qui devient le Musée Dalí, s'illuminent au rythme de la musique.
  
  Inauguré en 1974, le Théâtre-musée Dalí, considéré comme l'une des dernières grandes œuvres de l'artiste, a été construit sur les vestiges de l'ancien Théâtre municipal de Figueres. Il souhaitait créer « le plus grand objet surréaliste du monde » et offrir au visiteur une véritable expérience.
  
  « Je veux que mon musée soit un bloc unique, un labyrinthe, un grand objet surréaliste. Ce sera un musée théâtral. Les visiteurs en sortiront avec la sensation d'avoir eu un rêve théâtral. »

• Surréalisme métaphysique
  
  « Chaque tableau est une messe où je livre l'hostie d'un savoir. Il ne s'agit pas de la gratuité d'un spectacle mais d'une initiation à la mystique dalinienne. »
  
  En 1930, Dalí présente sa méthode « paranoïaque-critique » dans un écrit théorique « L'Âne pourri » (publié dans la revue Le Surréalisme au service de la Révolution). La paranoïa devient objet de prédilection. Cette méthode tend à rendre manifeste l'invisible par un délire contrôlé de l'esprit ou l'application de la double image.
  
  « C'est par un processus nettement paranoïaque qu'il a été possible d'obtenir une image double : c'est-à-dire la représentation d'un objet qui, sans la moindre modification figurative ou anatomique, soit en même temps la représentation d'un autre objet absolument différent… ».
  
  Ses œuvres prennent sens grâce à l'utilisation de cette nouvelle méthode. Un paysage métaphysique prend forme au sein des murs de pierre des Carrières. Une lumière écrasante éblouit le visiteur qui découvre peu à peu des ombres et silhouettes qui se déplacent. L'œuvre revisitée de Millet apparaît : L'Angélus. Obsédé par cette célèbre toile (L'Angélus de Jean-François Millet, 1857-1859), Dalí crée une nouvelle composition, inspirée de la « critique paranoïaque ».
  
  La scène fait référence à la prière de l'Angélus, événement biblique, où deux paysans sont représentés dans un champ. Dalí explique qu'il fait analyser la toile par le musée du Louvre : l'analyse révèle la présence d'une forme rectangulaire, probablement un cercueil recouvert pour ne pas choquer le public de l'époque.
  
  Pour Dalí, marqué par la mort de son frère Salvador avant sa naissance, l'Angélus est une scène de recueillement. Pour lui, les deux personnages du tableau viennent en réalité d'enterrer leur enfant. Dans sa version de 1934, Dalí reprend ces deux figures et les introduit dans un contexte mystique. Le visiteur se retrouve plongé dans un paysage intriguant avant que l'œuvre Vestiges ataviques après la pluie (1934) envahisse l'espace. Dans cette œuvre, le visiteur retrouve les rochers du Cap Creus, réinterprétés par l'artiste.
  
  « Toutes mes excentricités, toutes mes incohérences sont la constante tragique de ma vie [...] Je veux prouver que je ne suis pas le frère mort, mais le vivant. »
  
  
  
  
  
• Évocations
  
  Cette séquence montre les fresques grandioses que composa Dalí telles que le Concile Œcuménique (1960) ou Découverte de l'Amérique par Christophe Colomb (1958). Cette dernière, commanditée par Huntington Hartford pour sa galerie d'art moderne à New York, représente de façon imagée la découverte de l'Amérique. Peinte à Portlligat, c'est une immense toile de 4,10 m sur 2,65 m qui révèle l'imagination débordante du peintre.
  
  Des milliers d'abeilles envahissent l'espace et révèlent le songe de Gala allongée dans Rêve causé par le vol d'une abeille autour d'une pomme-grenade, une seconde avant l'éveil (1944). Peinte aux États-Unis lors de la fin de la Seconde Guerre mondiale, la toile représente Gala lévitant et endormie sur un rocher. L'abeille qui voltige à ses côtés provoque le rêve de Gala : tout est suspendu, le temps est arrêté.
  
  Dans cette séquence, le visiteur découvre également La tentation de saint Antoine (1946). L'œuvre immense, aujourd'hui conservée à Bruxelles, a été réalisée à New York pour participer à un concours organisé par Loew Lewin Company, une société de production de films, destinée à illustrer l'adaptation cinématographique du roman Bel Ami de Maupassant. C'est Max Ernst qui gagna finalement le concours.
  
  La tentation de saint Antoine de Dalí, qui mesure 89,5 × 119,5 cm, révèle à la fois une maîtrise technique rappelant les grands maîtres classiques et un univers fantastique avec des animaux surréalistes. Il peint saint Antoine nu, en position de faiblesse, dans un désert, brandissant une croix. Les animaux -un cheval massif, une file d'éléphants aux fines pattes immenses et longilignes- représentent les tentations charnelles ou matérielles à affronter. Le tableau réunit des thèmes chers à Dalí : désir, rêve, peur, pulsions et mysticisme.
  
  Entre 1969 et 1973, Dalí réalise des peintures destinées à orner les plafonds pour le Petit Palais Albéniz à Barcelone, pour le Château de Púbol et pour le grand salon de l'ancien théâtre actuel Théâtre-Musée Dalí. Parmi ces peintures, Le Palais du Vent (1970-1973), se compose de cinq panneaux et représente Dalí et Gala. Cette œuvre a quelque chose d'une promenade idyllique à travers le rêve de sa vie.

• Bijoux et Mae West
  
  Peintre, architecte et sculpteur, Dalí dessine des bijoux de qualité avec sa série de bijoux réalisés à New-York dans les ateliers de Carlos Alemany. De 1941 à 1970, parallèlement à la peinture, il dessine avec finesse et précision ces bijoux mais choisit également les matériaux employés (or, pierres précieuses, perles...) en fonction de la couleur, valeur et des connotations symboliques. Chaque exemplaire est unique et porte un nom surréaliste (Œil du temps, Cœur royal,...). L'ensemble, représentant des motifs végétaux et animaux, des symboles, des cœurs ou des yeux, montre que Dalí est un artiste sans limite qui s'exprime avec plusieurs techniques et supports.
  
  « Sans public, sans la présence de spectateurs, ces bijoux ne rempliraient pas la fonction pour laquelle ils ont été créés. Le spectateur en devient dès lors l'artiste final. Sa vue, son cœur, son esprit - qui fusionnent et captent avec plus ou moins d'acuité l'intention du créateur - leur donnent vie. »
  
  Les dessins réalisés par Dalí pour la création de ses bijoux apparaissent sur les murs, sur un fond noir avant de donner place à d'autres sculptures, installations tridimensionnelles, portraits et collages. Le célèbre décor utilisant le visage de Mae West envahit l'espace.
  
  Mae West (1893 - 1980), est une actrice hollywoodienne, sex-symbol des années 1920 à 1940. À partir d'une photographie de l'actrice, Dalí réalise un appartement surréaliste : chaque partie du visage constitue un élément du décor, meubles, motifs ou décorations. Les objets sont détournés de leur usage habituel pour créer une image idéale. Les yeux deviennent des tableaux, le nez une cheminée et les lèvres deviennent un canapé rouge.
  
  Les couleurs utilisées font référence au théâtre, clin d'œil au métier de Mae West et symbole de mise en scène et de réinterprétation de la réalité. En 1974, Dalí recrée le tableau en 3 dimensions, avec l'aide de l'architecte Oscar Tusquets.
  
  « Au lieu de faire un rêve surréaliste qui s'échappe, […] réaliser un rêve qui puisse servir de pièce à vivre. »
  
  
• Cinéma et photo
  
  Dalí est un artiste de l'image et un homme très médiatisé. Cette séquence revient sur la proximité de Dalí avec la photographie et le cinéma avec performances vidéo, photos et couvertures de magazines. Il écrit, avec Luis Buñuel, le scénario du film Un chien andalou (1929) qui serait né à partir de leurs rêves (une main couverte de fourmis et un couteau tranchant un œil). Les deux artistes élaborent le scénario en refusant toute image ou idée rationnelle. Les séquences du film transgressent tout schéma narratif et traditionnel.
  
  Dalí collabore également avec Alfred Hitchcock sur La Maison du docteur Edwardes en 1945. Il conçoit une scène onirique où pianos, globes oculaires et ciseaux flottent dans les airs. L'année suivante, il travaille sur un projet de dessin animé avec Walt Disney, appelé Destino (1946), qu'ils ne finiront jamais.
  
  Inventeur d'images en tous genres, Dalí rencontre des photographes comme Man Ray, Brassaï, Cecil Beaton, Philippe Halsman. En 1950, il se lie d'amitié avec Robert Descharnes qui le suivra pendant quarante ans. Le photographe réalise des clichés préparatoires pour ses œuvres et constitue des archives photographiques et sonores sur la vie de Dalí.
  
  La multitude de films et photographies de Dalí participe à la construction de l'identité si singulière de l'artiste ainsi qu'à sa notoriété.
  
  
• Premier surréalisme
  
  Cette séquence montre les célèbres toiles surréalistes de l'artiste composées de personnages et objets irréels.
  
  Le grand masturbateur (1929) est l'une des premières contributions de Dalí au surréalisme. Dans cette oeuvre, il exprime à la fois son amour pour Gala et son obsession pour la psychanalyse nourrie avec Freud et L'interprétation des rêves (1900). Il y applique ses peurs, ses désirs et ses souvenirs. Le Surréalisme lui permet d'exprimer ses conflits intérieurs : il expérimente les diverses techniques surréalistes de surgissement d'images telles que l'automatisme.
  
  En 1931, période de pauvreté et d'instabilité en Espagne, Dalí peint sa toile la plus célèbre : La Persistance de la Mémoire, aujourd'hui plus connue sous l'appellation « les montres molles ». Dans son autobiographie La Vie secrète, il explique que son inspiration vient de l'observation d'un camembert coulant le plongeant dans une réflexion sur le temps qui passe. On y voit des rochers de Portlligat et des montres à gousset déformées indiquant toutes des heures différentes. L'une d'elles est recouverte de fourmis, symbole lié à la mort. L'œuvre invite à se libérer des contraintes matérielles.
  
  Le paysage de Portlligat se retrouve également dans l'œuvre Le spectre du Sex-Appeal (vers 1934) : dans une crique au Cap Creus, Dalí se représente enfant, en costume de marin. Il fait face à une figure immense qui donne le titre au tableau. Les béquilles sont également un symbole pour le peintre, métaphore de la mort et de la résurrection.
  
  
• Double images
  
  Le paysage rocheux du Cap Creus introduit des œuvres jouant sur le double et le simulacre, le visible et l'invisible, les effets optiques, la métamorphose. Maître dans l'art de la déformation de la réalité, Dalí est obsédé par le double. Avec Cygnes reflétant des éléphants (1937) ou Marché d'esclaves (avec apparition du buste de Voltaire) (1940), il joue avec le reflet des objets et avec la perception visuelle. L'exposition numérique, à l'aide d'effets vidéo, donne à voir les différents niveaux de lecture de ces œuvres.
  
  L'Énigme sans fin, réalisé en 1938, est souvent perçu comme un tableau manifeste. On y perçoit plusieurs éléments : une mandoline, un saladier avec des poires, deux figues sur une table, une bête mythologique, le visage du grand cyclope, un lévrier, un philosophe couché, la plage de Cap Creus et un bateau. La toile aux images multiples devient un enchaînement de significations sans fin.
  
  
• Atomisation
  
  La guerre fait irruption dans l'œuvre de Dalí avec les bombes sur Hiroshima et Nagasaki en 1945 et déclenche de nouvelles sources d'inspiration. Dès ses débuts, Dalí montre un intérêt pour les sciences, la théorie de la relativité et l'astronomie. La bombe atomique l'amène à s'intéresser à la structure atomique de la matière. Héritier des grands maîtres de la Renaissance, Dalí réinterprète des figures du sacré.
  
  « Tout y est suspendu dans l'espace sans que rien ne touche à rien. »
  
  L'exposition immersive laisse place à des blocs et éléments suspendus dans l'espace comme des atomes qui flottent dans l'univers. Les tableaux La désintégration de la persistance de la mémoire (1952-1954); Création de l'homme (1954) ; Tête Raphaélesque éclatée (1951), apparaissent et disparaissent dans un mouvement continu de décomposition et de recomposition.
  
  Galatea des sphères (1952) est l'une des œuvres les plus représentatives de l'époque mystico-nucléaire. Le visage de Gala, composé de sphères, est fragmenté, rappelle la fascination de Dalí pour les théories de la désintégration de l'atome.
  
  « L'explosion atomique du 6 août 1945 m'avait sismiquement ébranlé. Désormais, l'atome était mon sujet de réflexion préféré. »
  
  
• Christ et Gala
  
  À partir des années 1940, Dalí s'intéresse à la Renaissance, au classicisme et à la peinture religieuse. Galarina (1945) montre ce retour aux maîtres : « Je l'ai intitulée Galarina parce que Gala est pour moi ce que Fornarina a été pour Raphaël. »
  
  Dans Léda Atomique (1947-1949), il met en scène Gala dans un épisode mythique : celui de Leda séduite par Zeus transformé en cygne. On y retrouve, avec les éléments en lévitation, l'importance des lois de la physique et de la gravitation.
  
  Grand admirateur de Léonard de Vinci, Dalí peint Le Sacrement de la Cène en 1955, mesurant 168,3 cm sur 270 cm, inspiré par l'œuvre originale.
  
  
• Néoclassique
  
  Raphaël et Michel-Ange prennent également une part considérable dans sa production picturale. Dalí utilise une technique très classique, très minutieuse et compose des dessins préparatoires soignés.
  
  Dans cette séquence, le visiteur découvre les œuvres stéréoscopiques créées par Dalí d'après L'école d'Athènes et L'incendie du Borgo de Raphaël.